Die in Tel Aviv geborene und in Berlin lebende Künstlerin Noi Fuhrer zeigt in ihrer ersten Ausstellung POLAR im Drawing Room großformatige Kohlezeichnungen von eindringlicher Präsenz. Sie halten alltägliche Momente und „merk-würdige“ Augenblicksfragmente fest, die sich aus verschiedenen (Traum-)welten speisen oder wie der Nachhall einer Erinnerung wirken. Dabei kontrastiert der narrative Gehalt der Werke spannungsvoll mit der Reduktion der zeichnerischen Mittel. Fuhrers Zeichnungen bestehen rein aus Schraffuren, die sie in variabler Strichstärke und Überlagerung in eine Richtung auf das Blatt zieht. Trotz der Zartheit der Linien zeichnen sich ihre konturlosen Figuren und Formen durch eine erstaunliche Plastizität aus. Wie in der Fotografie, die die Künstlerin häufig als Ausgangspunkt für ihre Kohlezeichnungen nutzt, konstituieren Licht und Schatten, Textur und Leerstelle das Bild, von dem eine magische Wirkung auszugehen scheint, weil es imstande ist, einen Raum zwischen Erinnerung und Imagination zu öffnen.

Noi Fuhrer studierte am Goldsmiths College in London und von 2019 bis 2021 in der Klasse von Andreas Slominski an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg.

Polar, 2022
Kohle auf Papier
74 x 120 cm

Courtesy: Die Künstlerin und Drawing, Hamburg
Foto: Noi Fuhrer, Berlin

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Wir freuen uns sehr, die erste Einzelausstellung von Mathias Deutsch im Drawing Room zu zeigen. Der Ausstellungstitel Brushcleaning Landscapes verweist auf die Genese der Werke im Format 70 x 50 cm. Deutsch hatte zunächst an Bildern in Öl auf Leinwand gearbeitet und während des Malprozesses seine mit Farbresten besetzten Pinsel auf Papieren ausgestrichen. Als er bemerkte, dass diese Ausstriche schemenhaft Landschaften und technische Einheiten aufzeigten, begann er, diese aus dem Zufall entstandenen Formen mit Zuhilfenahme des Pinsels, Spachtels und anderer mechanischer Werkzeuge zu ergänzen, um so gezielt weitere Formen hinzuzufügen und neue Bezugsebenen und Assoziationen aufzumachen.

Farol, 2020
Öl auf Papier
70 x 50 cm

Courtesy: Der Künstler und Drawing Room, Hamburg
Foto: Mathias Deutsch

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Wir freuen uns sehr, die zweite Einzelausstellung von Katharina Hinsberg (*1967 in Karlsruhe) unter dem Titel „Points Coupés“ zu zeigen. Linie und Schnitt prägen das Werk der Künstlerin, die zu den wichtigsten konzeptuellen Zeichnerinnen der Gegenwart gehört. Durch so verschiedene Techniken wie Schneiden, Bohren, Bezeichnen mit den Fingern oder dem Stift befragt Hinsberg die Bedingungen, Möglichkeiten und Bezüge der Gattung Zeichnung und ihrer Wirkung auf den Raum. Die Ausstellung im Drawing Room setzt Arbeiten aus den Werkgruppen Ajourés, Lacunae und Netze mit Arbeiten aus den neueren Werkkomplexen der Perseiden und Schraffen sowie den jüngst geschaffenen Kleinskulpturen aus Perlen auf Draht zueinander in Beziehung. Alle Werke Hinsbergs zeichnen sich dadurch aus, dass sie ein konzentriertes Sehen einfordern, das die Betrachter an der Fragilität und Poesie, Spontaneität und Präzision ihrer Bildwelten teilhaben lässt.

ppp #3, 2022
Draht, rote Glasperlen
0,08 x 900 cm

Courtesy: Die Künstlerin und Drawing Room, Hamburg
Foto: Katharina Hinsberg, Neuss

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Wir freuen uns sehr, die erste Einzelausstellung des französischen Fotografen Jean-Louis Garnell (* 1954 in der Bretagne) in Hamburg zu zeigen. Der Künstler führt uns die Auflösung von Sujet und Motiv, die Auflösung der Gattung selbst vor. Er versucht mit den Mitteln der Fotografie und der digitalen Medien, die Welt, die Gegenwart und die Beziehung des Menschen zu Raum und Zeit, zum Materiellen und zum Virtuellen zu verorten. Zu seinem künstlerischen Konzept gehört dabei die Verwendung klassischer Bildgattungen wie Landschaft, Porträt, Interieur und Stillleben. Gleichzeitig nutzt er aber auch abstrakte Formen, die er aus einer eigens programmierten Software herleitet und für seine Bildsprache entwickelt. In seinen Arbeiten erforscht der Künstler Gegensätze: System und Chaos, das Natürliche und das Künstliche, Realität und Darstellung, das Materielle und Körperliche.

Le bout de la table #12 1998-2011, 2019
Pigmentinkjetprint auf Barytapapier auf Dibond
40 x 60 cm

Courtesy: Der Künstler und Drawing Room, Hamburg
Foto: Jean-Louis Garnell, Paris

Für ihre erste Ausstellung oto & kawa im Drawing Room hat Asana Fujikawa sich durch einen japanischen Shintō-Mythos inspirieren lassen. Aberglaube und Religion, Angst und Begehren, Heldentum und Ungeheuer spielen darin eine Rolle – vor allem im Hinblick auf den Einfluss des Wassers bzw. Meeres auf den Menschen. Die Künstlerin schöpft aus der langen Keramiktradition Japans, zeichnet und radiert und komponiert eigene Texte. Dabei fügen sich alle Komponenten ohne feste Chronologie organisch ineinander. So entstehen neue cross-mediale Erzählungen, die nicht abgeschlossen, sondern liquide und permeabel sind. Alle Figuren, seien es Helden und Heldinnen, Ungeheuer oder Seelenbehälter entstammen einem zusammenhängenden Kosmos und tauchen in ihrem Werk immer wieder auf.

Asana Fujikawa
Eine Frau, die Gutes und Böses bei sich behält
(2-teilig), 2022
Keramik, glasiert
30 x 13 x 16 cm

Courtesy: Die Künstlerin und Drawing Room, Hamburg
Foto: Stephan Vavra, Hamburg

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Die in Berlin lebende Künstlerin Johanna Jaeger (* 1985 in Heidelberg) macht in ihrer Arbeit Zeit und Licht als Hauptkonstituenten des fotografischen Prozesses konzeptuell und motivisch zum Thema. Dafür hat sie eine charakteristische Bildsprache entwickelt, die um Flüssig-Ephemeres kreist wie Wolken, Farbverläufe und prozesshafte Auflösung von Form, die bei Licht- und Belichtungsphänomenen anknüpft und die auch Feststofflich-Sedimentiertes als fotografische Metapher thematisiert. In ihrer ersten Einzelausstellung clouds & pebbles im Drawing Room setzt Johanna Jaeger mit den beiden installativen Arbeiten sky piece und river pebble (horizontal split_1–∞) (beide 2021) einen Rahmen, der die Ausstellung buchstäblich zum „Bildraum“ erklärt, und entfaltet daraus ein Spannungsfeld auch für ihre fotografischen Tableaus.

Johanna Jaeger
blue swirl / indistinct, 2021
je Pigment Print
je 29,6 x 24,8 cm

Courtesy: Die Künstlerin und Drawing Room, Hamburg
Foto: Johanna Jaeger, Berlin

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Der Klang- und Medienkünstler Claus Böhmler (1939 – 2017) hat mit seinem Werk die Medien und die mit ihrer Entwicklung einhergehenden Veränderungen in der Rezeption und Sinneswahrnehmung analysiert. Unser Ausstellungsprojekt, das in enger Zusammenarbeit mit dem Böhmler Nachlass konzipiert wurde, konzentriert sich auf den Werkkomplex der „TYPOGRAMME – Schreibmaschine“. In diesen1968 entstandenen kritisch-humorvollen Schriftbildern aus der Alltagswelt nutzt Böhmler die Schreibmaschine wie ein zeichnerisches Instrument. Seine späteren künstlerischen Strategien und Konzepte sind in dieser frühen Werkserie bereits angelegt. Die Ausstellung und ein begleitender Katalog (Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König) sollen den wichtigen Aspekt der Wirkmächtigkeit von Sprache als visuellem Kommunikationsmedium bei Böhmler behandeln und ihre Bedeutung für sein interdisziplinäres Gesamtwerk erstmals einer breiteren Öffentlichkeit näherbringen.

Claus Böhmler
DIE BRATWURST, 1968
Schriftbilder – Handschrift – Druckschrift
Kugelschreiber und Schreibmaschine auf Papier
29,7 x 21cm

Courtesy: Böhmler Nachlass und Drawing Room, Hamburg
Foto: Helge Mundt, Hamburg

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Die auf Heraklid zurückgehende Formel „panta rhei“ oder Ovids „omnia mutantur, nihil interit“ (Ovid, Metamorphosen: XV, 165) beschreiben einen wesentlichen Aspekt von Pablo Schlumbergers Ausstellung im Drawing Room. Was ist im Fluss, was hat sich im Laufe der Zeit verändert und was bleibt doch, wie es ist? Derlei Fragen könnten den Ausstellungsbesuchern in den Sinn kommen, wenn sie den sieben Hybriden aus Fotografie, digitaler Zeichnung und Skulptur aus der aktuellen Werkserie „Total Aberration“, der Malerei auf Herrenhemd und den drei skulpturalen Werken gegenüberstehen. Die Bilder einer schemenhaft zu erkennenden Euromännchen-Skulptur hat der Künstler im Sommer 2017 auf seiner ‚Grand Tour’ mit einer analogen Einweg-Unterwasserkamera in Neapolitanischen Brunnen und in der Bucht von Neapel aufgenommen. Die Fotografien, deren Ästhetik an Unterwasser-Expeditionen schatzsuchender Taucher*innen erinnert, lassen in ihrer Verschwommenheit vielseitige Interpretationen über den genauen Ort und das abgebildete Sujet zu. Schlumberger lädt zu einem visuellen Tauchgang in liquide Welten ein, die bei genauerer Betrachtung eine zweite Bildebene offen legen und sein künstlerisches Denken in Zwischenräumen zeigen.

Pablo Schlumberger
TOTAL ABERRATION 5, 2020
UV-Druck und Dropgloss-Effektlack auf Alu-Verbundplatte
90 x 60 x 2 cm

Courtesy: Der Künstler und Drawing Room, Hamburg
Foto: Helge Mundt, Hamburg

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Das Ausstellungsprojekt "Odyssee – An Exile Collage" untersucht die hochaktuellen Themen Migration und Exil in unterschiedlichen künstlerischen Gattungen, Herangehensweisen und Zeiten. Dabei fungiert die wechselvolle Geschichte des Heine-Denkmals in Toulon als historischer Bezugspunkt für das zeitlose Thema von Verfolgung und Flucht. Olaf Metzels Wandskulptur We Refugees, 2020 zeigt einen Textausschnitt aus dem gleichnamigen Essay der deutsch-jüdischen Theoretikerin Hannah Arendt. Maya Schweizers Film Der sterbende Soldat von Les Milles, 2014 kreist inhaltlich um die Gedenkstätte Le Camp des Milles - ein ehemaliges Internierungslager und später ein Vichy- / deutsches Konzentrationslager des Zweiten Weltkriegs in einer alten Ziegelei in Aix-en-Provence. Gleichzeitig beobachtet die Kamera auch das Denkmal eines verwundeten Soldaten, das den in den beiden Weltkriegen und im Algerienkrieg gefallenen Soldaten gewidmet ist und das Boule-Spiel der Dorfgemeinschaft zu seinen Füßen. In beiden Werken verschmelzen Vergangenheit und Gegenwart miteinander. Die Arbeiten setzen sich auf vielschichtige Weise mit dem zerrütteten Schicksal von Menschen auseinander, die politisch verfolgt wurden und aus ihrer Heimat fliehen mussten.

Die Ausstellung "Odyssee – An Exile Collage" ist ein Versuch, mit Hilfe künstlerischer Werke die Öffentlichkeit für bis heute relevante Diskriminierungs- und Verfolgungsmuster aus der Vergangenheit zu sensibilisieren. Verbunden damit ist die Hoffnung, dass zukünftige Generationen durch das Lernen aus der Vergangenheit danach streben werden, mehr Solidarität gegenüber Menschen zu zeigen, die als Minderheiten ausgegrenzt werden.

Das Ausstellungsprojekt wurde vom Drawing Room Hamburg, dem Raum für Kunst e.V. Hamburg und der Produzentengalerie Hamburg initiiert.

Gefördert von:
Behörde für Kultur und Medien Hamburg
Herbert und Elsbeth Weichmann-Stiftung

Maya Schweizer
The Dying Soldier of Les Milles, 2014
HDV, 16/9, 13 min, Farbe, Ton

Courtesy: Die Künstlerin und Drawing Room, Hamburg
Foto: Maya Schweizer, Berlin

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Die Ausstellungsreihe „The Body of Drawing“ widmet sich dem breiten Terrain der Zeichnung und des Zeichnerischen. Dabei sollen auch andere Blickwinkel eingenommen werden als in landläufigen, zu oft einseitig von der „Linie“ beherrschten Herangehensweisen. Nicht zuletzt treten dabei künstlerische Positionen in den Fokus, die sich durch ein Interesse an Volumen und Körperlichkeit auszeichnen. Die direkten Spuren der physischen Aktion können auf den Körper der Künstlerin/ des Künstlers verweisen. Zudem kommt der menschliche Körper auch durch seine bildliche Darstellung ins Spiel.
„The Touch of Density“, die erste Ausstellung dieser Reihe im Drawing Room, fokussiert den Blick auf einen dritten Aspekt, den „Körper“ der Zeichnung, der sich als materielle Verdichtung auf oder aus dem Bildträger heraus bildet.

Die Ausstellungsreihe wird im April im oqbo – Raum für Bild und Ton in Berlin fortgesetzt (www.oqbo.de). Weitere Stationen in Zürich und Montpellier sind geplant.

James Bockelman
Fragrance, 2017
Collage auf Papier
28 x 21,6 cm

Courtesy: Der Künstler und Drawing Room, Hamburg
Foto: James Bockelman, Seward, Nebraska

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Der international bekannte Künstler Jan Albers lotet die Gattungsgrenzen zwischen Malerei und Bildhauerei aus. Seine Werke bewegen sich zwischen Bild und Objekt, abstrakter Bildskulptur und Skulpturbild. Albers arbeitet mit naturnahen und industriellen Materialien wie Holz, Keramik, Marmor, Stahl, Bronze, Beton und Polystyrol. Dieses „Rohmaterial“ bringt er in eine streng formale Struktur, ein geometrisches Raster oder Relief, bricht es aber durch das Anwenden von Techniken wie Sägen, Ätzen, Schweißen, Meißeln oder Pressen auf, zerstört also sein eigenes Material wieder und erzeugt dadurch spannungsgeladene, kraftvolle Bildobjekte, die Ordnung, Chaos und Leere ausbalancieren. Immer aber lösen seine a priori gegenstandsfreien Werke Anklänge an Seh¬erfahrungen aus der Natur oder der anthropogen geprägten Umgebung aus. Sie lassen an Korallenriffs und lodernde Flammen oder – aus der Vogelperspektive gesehen – an dystopische Stadtlandschaften, von der Zeit angefressene Gebäude der Moderne oder an gewaltsame Eingriffe in die Erdoberfläche denken. Seine Wandarbeiten und Reliefs erzählen von der Schönheit, die in der Zerstörung einer bestehenden Ordnung liegt.

Jan Albers
rAmpAge, 2019
Sprühfarbe auf Polystyrol und Holz
251 x 171 x 31 cm

Courtesy: Der Künstler und VAN HORN, Düsseldorf, Drawing Room, Hamburg
Foto: Jan Albers, Düsseldorf

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