Die Bildhauerin und Installationskünstlerin Mariella Mosler (*1962 in Oldenburg) bewegt sich mit ihrem Werk an der Grenze von autonomer Skulptur und raumbezogenem Ornament. 1997 war sie mit einem Bodenrelief aus Quarzsand im Zwehrenturm des Fridericianums auf der documenta X in Kassel vertreten. In ihrer zweiten Ausstellung KNOT FOLLIES im Drawing Room zeigt Mosler neue dreidimensionale Neonarbeiten, die sich in Fortführung ihrer Auseinandersetzung mit dem Ornament mit der Topologie von mathematischen Knotenmodellen beschäftigen und als komplexe kurvige Lichtspur im Raum schweben. Ergänzt und räumlich erweitert werden die Neons von neuen Spiegelarbeiten und Collagen. Aus dem Changieren zwischen Wiederholung und Variation entwickelt Mosler ein Spiel um Bedeutungen und Zuschreibungen, das nie ganz aufgeht und Geheimnisse stehen lässt.

Mariella Mosler
Heart of Darkness, 2019
Collage
59,4 x 42 cm

Courtesy: Die Künstlerin und Drawing Room, Hamburg
Foto: Mariella Mosler, Hamburg

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Hayley Tompkins (*1971, Leighton Buzzard) arbeitet in den Medien Malerei, Zeichnung und Installation. Sie nutzt alltägliche Gegenstände wie Messer, Zweige, Stühle, Kunststoffbehälter oder Mobiltelefone als Bilduntergrund und verbindet sie – häufig in Kombination mit technischen Fotos aus dem Internet oder mit Stoff umspannten Keilrahmen – zu sensiblen Installationen, die dem Prozess des Betrachtens und Erfahrens von Raum nachspüren. Tompkins‘ künstlerische Praxis zielt darauf ab, Alltagsgegenstände mithilfe der mimetischen Qualitäten von Farbe und malerischem Gestus zu verstehen. Sie sucht nach neuen Möglichkeiten, das transformative Potenzial der Malerei zu erproben, um ein Gleichgewicht zwischen der gemalten und der physischen Existenz eines Objekts zu erzielen.

Für ihre zweite Ausstellung im Drawing Room hat Tompkins eine neue Serie von kleinen, freien Acrylmalereien auf Papier, eine Assemblage, den ‚LB‘ betitelten Hocker und neue Digital Light Pools geschaffen, die in ihrer malerischen Durcharbeitung an Traditionen der abstrakten Malerei wie Pointillismus, Cobra oder Informel erinnern, dabei aber mithilfe der Synthese von Farbschüttung und erkennbarem Pinselduktus jeweils ganz eigene Stimmungen erzeugen.

Hayley Tompkins
Surroundings V, 2019
Acryl auf Papier
20,8 x 14 cm

Courtesy: Die Künstlerin, The Modern Institute, Glasgow und Drawing Room, Hamburg
Foto: Helge Mundt, Hamburg

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Christian Haakes formal reduzierte, aber bis ins Detail sorgfältig aufgebaute und vielschichtige Objekte changieren zwischen Skulptur, Malerei und Zeichnung. Sie sind mit industriellen Fertigungsmethoden hergestellt worden und erscheinen auf den ersten Blick wie Architekturfragmente. Der entscheidende Impuls für seine Werke entstand jedoch auf einer Zugfahrt: prägend war der Blick aus dem Fenster auf die schnell vorüberziehende Landschaft, deren Konturen und Farben zu einem 'Nachbild' verschmolzen. Diese Grauzone zwischen erinnertem Abbild und Imagination bildet die Grundlage für sein Werk. Mit jeder seiner Arbeiten untersucht Haake, wie Stephan Berg treffend schreibt, "den feinen Riss der Differenz, der zwischen den Ebenen verläuft. Nicht die Bestätigung des Zusammenhangs zwischen Realität und Wahrnehmung ist ein Ziel, sondern dessen subtile poetische Destabilisierung."

Christian Haake
chapters, 2016
Holz, Lack, Kunststoff
29,7 x 42 cm

Courtesy: Der Künstler und Drawing Room, Hamburg
Foto: Christian Haake, Bremen

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Der in Dresden lebende und arbeitende Künstler Manuel Frolik (*1979 im Vogtland) stellt in seinem Werk die Frage nach Authentizität und Autorschaft und spielt mit unseren Vorstellungen von Original und Fälschung. Seine prozesshaft angelegten Arbeiten basieren auf der Aneignung und Verfremdung von „found footage“ beziehungsweise detailgenauen Nachbildungen hyperrealistischer oder amorpher plastischer Figuren und Objekte.

Manuel Frolik
Kostus megalobractes (Phytophilia Dresdense), 2017
Digitalprint unter Acrylglas
50 x 31 cm

Courtesy: Der Künstler und Drawing Room, Hamburg
Photo: Manuel Frolik, Dresden

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Anke Völk arbeitet mit irisierenden und metallischen Farbpigmenten, die sie auf Papier, Leinwand, MDF oder einen Aluminiumuntergrund aufträgt. Völk beschäftigt sich in ihrer Malerei mit Aspekten der Entgrenzung und Oberfläche. Eine wichtige Rolle in ihrem künstlerischen Verfahren spielen Fehlstellen und der Bilduntergrund. Risse und kleinere Unebenheiten liefern die Textur des künstlerischen Prozesses. Sie geben die Richtung an und beeinflussen den Ausdruck des Werks. Die Künstlerin fügt während des Schichtungs- und Arbeitsprozesses absichtlich diese Fehlstellen ein, um visuell darüber zu verhandeln, inwieweit die verbleibenden, sichtbaren Spuren darauf hinweisen, dass das was fehlt doch anwesend ist. Die Fehlstellen sind Spuren des Malprozesses, die zum fertigen Bild gehören, genauso wie die anderen Parameter der Arbeit und die Farben auch.

Anke Völk
Untitled, (Metallic Green) , 2017
Acryl, Karton auf Leinwand
90 x 70 cm

Courtesy: Die Künstlerin und Drawing Room, Hamburg
Photo: Bernd Borchardt, Berlin

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Der junge polnische, in New York lebende Fotograf Jan Cieślikiewicz hat seine 16-teilige Fotoserie, die erstmals zusammenhängend im Rahmen der OFF Triennale der Photographie im Drawing Room gezeigt wird, nach einer analytischen Untersuchungsmethode benannt, die zum Ziel hat, den Zusammenhang zwischen zwei scheinbar zufällig verbundenen Phänomenen mithilfe einer neuen, nicht-zufällig gesetzten Hypothese zu beweisen. Seine zu unserer ‚Post Truth’-Ära passende These ist jedoch, dass nichts in dieser Welt endgültig oder endgültig zu beweisen ist, sondern alle vermeintlichen Wahrheiten einem permanenten Wandel unterliegen.
Cieślikiewicz interessiert das Moment des Unberechenbaren, Zufälligen, er sucht in seinen Fotografien nach den Widersprüchen und Absurditäten unserer aufgeklärten und nach Kontrolle strebenden Welt. Sein Thema sind Landschaften, in die der Mensch auf unerklärliche Weise eingegriffen oder in denen er seine Spuren hinterlassen hat: sei es ein Brand inmitten einer von Schnee bedeckten Waldregion, eine Abwasserpfütze, in der rücklings ein Mann liegt und sich die Augen zuhält oder eine durch eine Fabriklandschaft galoppierende Schafherde.
Entstanden ist ein disparater, bizarr-schöner Bilderreigen, der den von jeher ungewissen Status der menschlichen Existenz befragt.

Jan Cieślikiewicz, Null Hypothesis, 2017
Archival Pigment Print

Courtesy: Jan Cieślikiewicz, New York und Drawing Room, Hamburg
Photo: Jan Cieślikiewicz, New York

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Rona Kobel taucht die Wirklichkeit in unschuldiges Weiß. Mithilfe des feinen Tafelgeschirrs, das elegant versucht, sich der Brisanz des politischen Tagesgeschehens zu entziehen, will die Künstlerin uns nun quasi in die Suppe spucken, das Essen versalzen und den Magen verderben. Krieg, Terrorismus und Vertreibung, Islamismus und Rechtsradikalismus, Trump, Putin und Erdogan oder der Brexit - alles kommt auf den Tisch bzw. ins und aufs Geschirr. Kobel thematisiert in ihrem aktuellen Werkkomplex unser aller Indolenz im Umgang mit diesen drängenden Krisen und fragt provokant nach der Stabilität und Wehrhaftigkeit von Demokratie und Freiheit in unserer Welt. Eine zentrale Arbeit ist Kobels Tafelaufsatz ‚Prop it, don’t drop it’ (Civilization Bowl), die der Betrachter nicht einfach wegklicken, überblättern und somit schnell wieder verdrängen kann, sondern in der direkten Auseinandersetzung aushalten muss – eine Ambivalenz, die auf produktionsästhetischer Ebene durch den Kontrast von flüchtiger Augenblicklichkeit des zugrundeliegenden (Medien-) bildes und der langwierigen Prozesshaftigkeit der Porzellanherstellung reflektiert wird.

Rona Kobel, Prop it, don’t drop it (Civilization Bowl), 2018
Porzellan, handbemalt

Courtesy: Rona Kobel, Berlin und Drawing Room, Hamburg
Photo: Trevor Good, Berlin

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Bei Thomas Judisch (*1981 in Waren / Müritz) ist nichts, was es zu sein scheint. Die Fliege auf der Wand, die man eben noch totschlagen wollte, fliegt nicht weg, weil sie gezeichnet ist, und die Fliegenklatsche gleitet aus der Hand, denn sie ist schwere Bronze. Gekonnt spielt der Künstler auf der Klaviatur der Augentäuschungen, jongliert mit kunstgeschichtlichen Referenzen und nimmt uns mit auf einen Parcours durch unseren Alltag und seine Gegenstände. Mit seinen vornehmlich kleinformatigen skulpturalen Arbeiten erprobt und analysiert Judisch transformatorische Prozesse durch dezent irritierende Eingriffe in gewohnte Formen, Materialitäten und Sehweisen. Seine humorvollen Werke kommentieren mit feiner Ironie die Banalität des Alltags und setzen ihr ein Denkmal.

Thomas Judisch, Fliege, 2014
Aquarell auf Büttenpapier

Courtesy: Thomas Judisch und Drawing Room, Hamburg
Photo: Thomas Judisch, Hamburg

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Maya Schweizer verwebt in ihren multimedialen Arbeiten Bild, Ton und Text zu subtilen Gegenwartsanalysen, die immer auch eine historische Ebene oder einen konkreten Bezug zu einem kollektiv erinnerten Ort haben. Mit dem Verfahren des ‚Layering’ erzeugt sie komplexe Schichtungen verschiedener Zeit- Ort- und Wahrnehmungsebenen.

In ihrem auf der Berlinale 2017 im Forum Expanded vorgestellten Film „A Tall Tale“ verschmilzt die Künstlerin die einfühlsame Erkundung des Settings rund um eine Irische Burgruine aus dem 13. Jahrhundert mit einer fiktiven Ebene – der Welt der Geistergeschichten. Gleich zu Beginn lädt uns die Stimme von Orson Welles zu einer „short story, straight from the haunted land of Ireland“ ein: wabernde Gewässer, Froschgequake, Baumsilhouetten, krächzende Raben, Risse in Ruinen, von Geisterhand bewegte Türknäufe oder das Geräusch von Pferdehufen erwecken Assoziationen an die ‚Tales of Mystery and Imagination’ von E. A. Poe oder an Literaturverfilmungen wie Laurence Olivier’s ‚Hamlet’. Mit ihrem fulminanten Ritt durch die Geschichte des film noir nimmt uns Schweizer mit auf eine (über-)sinnliche Reise in eine Welt aus Ruinen und Filmruinen und feiert so gleichzeitig die Geschichte des Kinos.

Maya Schweizer, A Tall Tale, 2017
Filmstill (Castle)

Courtesy: Maya Schweizer, Berlin und Drawing Room, Hamburg

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In seinen multimedialen, institutionskritischen Arbeiten beleuchtet das Künstlerkollektiv Jochen Schmith (Lichtwark-Förderpreisträger 2017) die Rolle des Künstlers und anderer Akteure im Kunstmarkt. Vor der Folie der im England des 18. Jahrhunderts populär gewordenen Bildgattung des Konversationsstücks, das bürgerliche Gesellschaften in Innenräumen darstellt, hinterfragt Jochen Schmith durch subtile ortsspezifische Interventionen die Zusammenhänge zwischen privatem und öffentlichem Raum im Drawing Room, zwischen Kunst und Kommerzialisierung, zwischen Autorschaft, Aneignung künstlerischer Identität und der Konsumgüterindustrie im Luxusbereich.

Entstanden ist ein Gesamtdisplay, das vielfältige Spuren legt und im Betrachter verschiedenste Assoziationen zum ‚Kunstbetrieb’ in Gang setzt.

Birgit Brenner, Nur an Geld glaube ich noch, 2006
Ölfarbe, Rubbelbuchstaben, Graphit, Schreibmaschine auf Papier, 30 x 21 cm

Courtesy: Birgit Brenner, Galerie EIGEN+ART, Leipzig/ Berlin und Drawing Room, Hamburg
Foto: Uwe Walter, Berlin

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Jenni Tischer zeigt in der Ausstellung Cap-Skulpturen, tragbare Caps und Arbeiten auf Papier. Wie Tischers Beobachtungen im öffentlichen Raum zeigen, fungiert das populäre Cappy als Schnittstelle zwischen Wareneinförmigkeit, der Bewerbung großer Marken wie auch als Symbol für verschiedenste subversive Aneignungsvarianten, mit denen unterschiedlichste Identitäten konstruiert werden können. Alle Cap-Arbeiten thematisieren in Varianten die Aussage „Stranger to myself“, mit der Tischer sich auf das Buch „Fremde sind wir uns selbst“ der Psychoanalytikerin und Literaturtheoretikerin Julia Kristeva bezieht. Kristeva plädiert darin für eine Ethik der Anerkennung der eigenen Fremdheit als Basis dafür, etwas Fremdes oder jemand Fremdes im Außen ebenfalls akzeptieren zu können. In Jenni Tischers aktuellem Werk klingen vielfältige gesellschaftliche Dynamiken an, die Fäden zwischen Kunst, Mode, Identität und Persönlichkeit spinnen.

Jenni Tischer, I’M A STRANGER HERE MYSELF, 2017

Courtesy: Jenni Tischer und Drawing Room, Hamburg
Foto: Jenni Tischer, Berlin

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In seinen farbintensiven Bildern zeigt uns Frank Maier (*1966 Stuttgart), dass Wirklichkeit im Bild mit ästhetischen Mitteln vom Künstler hergestellt und neu erfunden wird. In seinem Werkkomplex der „Crabs“ übersetzt Maier beim Vorgang des Malens die konkrete Realität der Krabbe in die ganz andere Sprache des Bildes mit ihrer eigenen Syntax. Seine Malerei ist ein Austarieren von Flächen, die zueinander in Beziehung gesetzt und durch Linien verbunden und überlagert werden, bis sie ein Eigenleben entwickeln, eine eigene Dynamik, welche die Komposition mit Leben füllt. Für Frank Maier zeigt ein gemaltes Bild nicht die Welt per se, sondern ist selbst ein Stück Welt, eingebunden in ein größeres Geflecht von Beziehungen. Das Bild ist für ihn eine eigenständige Kategorie, denn es vermittelt nicht mehr und nicht weniger als das, was es ist.

Frank Maier, Crab (fragments), 2016, Acryl auf Nessel, lackierter Holzkasten,
Rahmenleisten, 53,5 x 56 x 5,5 cm

Courtesy: Frank Maier und Drawing Room, Hamburg
Foto: Frank Maier, Berlin

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Ihr Material ist die Realität. Unter dem Begriff des „Dirty Minimal“ entwickelte die in Hamburg lebende Konzeptkünstlerin, Fotografin und Bildhauerin Almut Linde bereits Ende der 80er Jahre eine eigene Interpretation der amerikanischen Minimal Art. „Dirty Minimal“ steht für die reduzierte Formensprache der Minimal Art – die Linde aber aus ihrer ästhetischen Selbstbezüglichkeit befreit und in den Alltagsraum überführt. Linde greift in bestehende Strukturen ein, hinterfragt gewohnte Abläufe und beleuchtet die Rolle des Einzelnen innerhalb von gesellschaftlichen Systemen. Mit ihrer Arbeit durchbricht sie stereotype Vorstellungen und Vorurteile und eröffnet dadurch neue Sichtweisen auf viele Bereiche unseres Lebens.

Die Ausstellung Radical Beauty im Drawing Room zeigt Arbeiten aus Aktionen mit Menschen in existentiellen Räumen, die drei Themenbereichen (Militär, Menschenhandel und Problemviertel) entstammen. So ließ die Künstlerin im Rahmen einer langjährigen Zusammenarbeit mit der Bundeswehr Soldaten per Befehl auf Glasrahmen feuern, von denen vier unter dem Titel DIRTY MINIMAL #33.2.20-23 – BULLET ACTION PAINTING/MACHINE GUN gezeigt werden. Lindes medienreflexive Arbeiten beweisen ihr Interesse für soziologisch-politische Zusammenhänge und präsentieren eine Kunst, die als Zielpunkt einen gesellschaftlichen und damit politischen Kern hat. Niemals wirkt dieser flach, illustrierend oder bloß anekdotisch, sondern bleibt in seiner Schönheit hart, radikal und unverdaulich *.

Almut Linde, DIRTY MINIMAL #32.2.20 – BULLET ACTION PAINTING / MACHINE GUN, 2005, Glasrahmen

Courtesy: Almut Linde und Drawing Room, Hamburg
Foto: Almut Linde, Hamburg

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Die Gruppenausstellung Imi Knoebel | Rolf Rose | Henrik Eiben. Farbe und Form zeigt eine Bandbreite von ungegenständlichen Arbeiten auf Papier, die als Serie oder offene Reihe angelegt sind. Gemeinsam ist allen drei Künstlern eine reduzierte Formen- bzw. Bildsprache, die von der Farbe bestimmt wird. Farbige Flächen werden an- und ineinander geschichtet und definieren durch Rhythmik, Dichte und Spannung den Raum auf dem Papier. Für die Arbeiten aus der Serie Gartenbilder hat Imi Knoebel Kunststofffolien mit Acrylfarbe bestrichen, aus denen er mit einem Cutter freihändig Formen schneidet und dann auf dem Karton collagiert. Nicht als (traditionelles) Motiv behandelt Knoebel den Garten, wie wir ihn beispielsweise aus Max Liebermanns Gartenbildern kennen, sondern als abstrakt aufgebautes Bild aus scheinbar willkürlich zusammengesetzten Linienbandstrukturen, die ‚unendlich’ variieren können. Auch die Aquarelle von Rolf Rose – drei mit breitem Pinselstrich horizontal übereinander geschichtete Farbverläufe – erwecken im Betrachter Landschaftsassoziationen. Doch Rose geht es primär um eine einfache, harmonische und wiederkehrende Geste, die dem wässrigen, flüssigen Zustand des Mediums Aquarell entspricht und durch seine Hand und Pinselführung Form annimmt. Die unerschöpfliche Variation des Spiels von Farben und Formen ist auch für die Aquarelle von Henrik Eiben wesentlich. Seine zärtlich auf das Papier gehauchten Kompositionen aus parallel schwingenden oder ineinander übergehenden Farbflächen und Linienführungen nehmen die rhythmisierten ‚Farbblöcke’ Knoebels wieder auf, erinnern aber bei aller Leichtigkeit und Transparenz des Farbauftrags formal auch an das Volumen und die Plastizität seiner eigenen Skulpturen und Wandobjekte.

Imi Knoebel, Gartenbild 2, 2013/14, Acryl auf Kunststoff, handgemalt

Courtesy der Künstler und Drawing Room, Hamburg
Foto: Helge Mundt, Hamburg

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Katharina Hinsberg (* 1967, Karlsruhe) untersucht in ihren Arbeiten auf Papier das Medium der Zeichnung in seinen visuellen und konzeptuellen Möglichkeiten. Ihre Arbeiten haben Sprengkraft, denn sie brechen mit den eingeübten Vorstellungen, die wir uns von der Zeichnung als in der Fläche verbleibend machen. Ausgangspunkt ist die aufs Papier gesetzte Linie, die Hinsberg durch Schnitte freistellt und – definiert durch ihr Verhältnis zu den umliegenden Linien und Leerstellen – aus der Zweidimensionalität in das Dreidimensionale und mithin in den Erfahrungsraum des Betrachters überführt. Durch diesen Transformationsprozess wird die gezeichnete Linie zur geschnittenen Linie, wird das Blatt je nach Schnitttechnik zur offenen Membran, zum Gitter oder zum bloßen Rahmen für das ‚erhabene’ Geflecht von Linien, das die umgebende Wand als Bildträger einbezieht.

Lacunae, 2012, Tusche auf Papier, ausgeschnitten

Courtesy of the artist and Drawing Room, Hamburg
Foto: Achim Kukulies, Düsseldorf

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Für die Ausstellung "dakar" im Drawing Room hat der Hamburger Künstler Henrik Eiben (*1975, Tokio) neue Arbeiten entwickelt, die auf den ersten Blick mit dem Begriff Minimalismus assoziiert werden können. Doch trotz ihrer offensichtlichen Bezüge zur amerikanischen Minimal Art unterscheiden sich Eibens Reliefs und Aquarelle von den formal überschaubaren Ordnungen Carl Andres, Donald Judds oder Sol LeWitts. Seine klaren Oberflächen aus gespanntem Stoff, lackiertem Stahl oder farbigem Acrylglas sind keine strengen, fehlerlosen Kompositionen, sondern offenbaren immer auch einen Moment der Irritation und fein gesetzten Ironie - die exakte, geometrische Konstruktion wird mit einem Twist ins Wanken gebracht.
Durch seine kritische Auseinandersetzung mit dem Formenvokabular der Minimal Art gelangt Henrik Eiben auf spielerische Weise zu vielschichtigen, zwischen Skulptur und Malerei changierenden Werken, die zugleich eine große Leichtigkeit ausstrahlen.

Henrik Eiben, Bletchley, 2016,
Stahlblech, Edelstahl, Lack

Courtesy of the artist and Drawing Room, Hamburg
Foto: Henrik Eiben, Hamburg

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Die in Hamburg lebende Katja Aufleger (*1983 in Oldenburg) verschränkt in ihren konzeptuellen Arbeiten verschiedene Methoden und Darstellungsformen, die aktuelle Gesellschaftssysteme und soziale Strömungen beleuchten und kritisch hinterfragen.

Im Mittelpunkt der Ausstellung Show steht Auflegers neuester Werkkomplex, der aus einer Vielzahl von Varianten einer überdimensionierten Halskette besteht, an der das Wort EGO prangt. In ihrer diesjährigen Ausstellung im Kunstverein in Hamburg war die erste "EGO-Kette" Teil einer systemischen Aufstellung, in der Aufleger das Verhältnis von Objekt, Kunstbetrieb und Betrachter ironisch analysierte.

Bei der Eröffnung im Drawing Room inszeniert Aufleger nun eine „EGO-Fashion Show“, bei der zwei Performer rund 120 neonfarbene EGO-Varianten in einer Kombination aus einfachen und kostbaren Materialien vorstellen, die uns als Betrachter den Spiegel vorhalten und das spannungsgeladene Verhältnis von Oberfläche und Werkaussage, von Begehren und Irritation aufzeigen.

Katja Aufleger, # EGO, 2015
Kunststoff, Messing, Gold, Stahl

Courtesy of the artist and Drawing Room, Hamburg
Foto: Katja Aufleger, Hamburg

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Miriam Cahn (* 1949 in Basel) hat sich schon früh auf einen Kanon wiederkehrender Motive festgelegt: Menschen, Häuser, Tiere, Pflanzen, Landschaften, die sich zwischen Figuration und Abstraktion bewegen. Ihre Farben sind magisch, die Bilder scheinen von innen
heraus zu leuchten. Und doch haben sie oft einen gespenstischen und bedrohlichen Subtext. Denn Cahns Werk ist politisch aufgeladen – schon 1992 stellte sie sich beispielsweise in der Auseinandersetzung mit dem Balkankrieg den hochaktuellen Themen von Flucht und Vertreibung. Die Ausstellung „Creature“ richtet den Fokus auf Malerei und Zeichnung mit politischem Hintergrund wie Krieg, Denkender Soldat und Sarajevo. Es sind aber auch Tiere und Blumen zu sehen, die nach Meinung der Künstlerin unschuldig sind, weil sie nicht Partei ergreifen. Mit ihrem Plädoyer für alles Lebendige hat Miriam Cahn ein zutiefst humanistisches Werk geschaffen.

Miriam Cahn, zukunft, 23.10.05
Öl auf Leinwand, 30 x 24 cm

Courtesy of the artist, Drawing Room, Hamburg and Galerie Jocelyn Wolff, Paris.
Photo: François Doury

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Mariella Mosler (* 1962 in Oldenburg) wurde international bekannt durch ihre raumgreifenden, geometrisch angeordneten Bodenreliefs aus Quarzsand, die unter anderem bei der documenta X in Kassel zu sehen waren.

Seit Jahren widmet sich Mosler im Spannungsfeld von Opulenz und Minimalismus dem Ornament und zeigt es als gleichermaßen ordnendes wie offenes Netzwerk. Die Ausstellung im Drawing Room präsentiert einen Ausschnitt aus der enormen Bandbreite ihrer ornamentalen Formen, darunter Zeichnungen, Spiegelarbeiten und Haarobjekte.

Bei Mariella Mosler hat das Ornament seine dienende Funktion abgelegt – die Genese und Struktur seiner Verflechtung wird zum Hauptthema. Das Nachvollziehen der kunstvoll miteinander verschlungenen Linien setzt im Betrachter eine ähnlich spielerische Energie frei wie beim Produktionsprozess.

Mariella Mosler, VIOLLET V, 2013/14
Blattgold und Lack auf Kristallspiegel

Courtesy of the artist, Drawing Room, Hamburg. Foto: Edgar Lissel

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In Jenni Tischers Werk, das 2013 im Sektor “Art Statements” der Art Basel mit dem renommierten Baloise Kunst-Preis ausgezeichnet wurde, trifft die Material- und Formensprache minimalistischer Skulptur auf die Praxis und Historie textilen Arbeitens. Ihre Objekte, die meist auf geometrischen Grundformen basieren, thematisieren „typisch weibliche“ Handwerkstechniken wie Sticken, Nähen oder Weben und transformieren sie in den Kunstkontext. Die Werkzeuge des textilen Arbeitens, wie Nadel, Faden, Stoff, Webrahmen oder Spindel, verlieren dabei ihre Zweckgebundenheit – der Prozess ihrer Verarbeitung wird zum sichtbaren gestalterischen Element erhoben.

Der Ausstellungstitel „Pin Down“ bezieht sich zum einen auf das Anfertigen der textilen Objekte, ihr Zusammenstecken, und fordert den Betrachter zugleich auf, die hinter dem ästhetisch-formalen Zugang liegende abstrakte Bezugsebene auf gesellschaftliche Systeme zu entschlüsseln oder „festzunageln“.

Jenni Tischer, Pin Grid Array IV, 2015

Courtesy of the artist, Drawing Room, Hamburg and Krobath Wien/Berlin. Photo: Helge Mundt.

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Die in Glasgow lebende Künstlerin sieht, interpretiert und rekonstruiert die sie umgebende Welt mit den Augen einer Malerin. Allerdings schafft sie ihre ungegenständliche Malerei aus Alltagsdingen, die andere nie für bildwürdig erachtet hätten, wie Mobiltelefonen, Stühlen oder kleinen Ästen.

Mit der 2013 anlässlich der Biennale in Venedig begonnenen Werkserie Digital Light Pools lotet Tompkins die Möglichkeiten ihres Mediums weiter aus. Dünnes Acryl wird in durchsichtige Plastikschalen gegossen und geschwenkt - das sich herauskristallisierende Ergebnis sind leuchtende monochrome Farbwunder in amorphen Formen, die an Licht, Feuer, Wasser oder Erde erinnern.

Für die Ausstellung im Drawing Room hat Tompkins eine Reihe neuer Objekte und Digital Light Pools in gesättigten polychromen Farben geschaffen, die das in ihrer Arbeit wiederkehrende Motiv des Regenbogens aufgreifen “...all in a multitude of colors, as if to exist in Technicolor.” Dank Hayley Tompkins wird auch unsere Alltagswelt wieder farbig.

Hayley Tompkins, Digital Light Pool LXXXVII 2015

Courtesy of the artist, Drawing Room, Hamburg and The Modern Institute/Toby Webster Ltd, Glasgow. Photo: Helge Mundt

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In den luftigen, fein gesponnenen Zeichnungen und textilen Objekten der in London lebenden Künstlerin Kerstin Kartscher bilden moderne Architekturfragmente, geometrische Formen und netzartige Strukturen ein dynamisch verdichtetes Gefüge aus verheißungsvoll-abgründigen Phantasielandschaften. Versatzstücke aus Radierungen des 19. Jahrhunderts treffen auf Zitate aus Comics und zeitgenössischer Werbegrafik. Verschiedenste Referenzen, Raum- und Zeitebenen und „objets trouvés“, die Kartscher auf ihren Streifzügen durch den urbanen Raum aufgelesen hat, verschränken sich zu Projektionsflächen individueller Erfahrungen.

riffs palaces ploughshares, 2014

Sabine Hornigs Arbeiten lösen die Grenzen zwischen Fotografie, Skulptur und Installation auf. Hornigs international bekannteste Arbeit ist die Werkreihe der Fenster, die sie aus früher tatsächlich gebauten Eingriffen in Galerieräume seit 1995 entwickelt hat. In diesen Bildern sind Schaufenster fotografiert, die das Alltägliche und Zufällige des meist leergeräumten urbanen Raumes als Ausgangsmaterial nutzen. Durch die Überlagerungen des Innen- und Außenraumes auf der Ebene der Fensterscheibe entsteht ein komplexes Vexierspiel aus Blick, Durchblick, Reflexion; in ihm treffen mit den räumlichen Ebenen auch die Ebenen der Zeit aufeinander. Der Kunsthistoriker Hans Belting formuliert es im Ausstellungskatalog Sabine Hornig. Durchs Fenster der Pinakothek der Moderne treffend: „Das Davor ist vom Dahinter nicht mehr getrennt, sondern miteinander präsent.“ Hornigs Werk stellt einen eigenwilligen Beitrag in der Fotografie dar, bei dem das Medium Bild und Objekt verbindet.

Einfallendes Licht / Spilled Light, 2014

Melissa Kretschmer (*1962, Santa Monica, Kalifornien) bringt in ihren konzeptuellen Arbeiten die Medien Malerei und Skulptur zusammen. Sie verwendet einfache Materialien in unbehandelter Form und nutzt deren unterschiedlichen stofflichen Eigenschaften zur Gestaltung der in Rechtecke gegliederten Bildfläche. Farbe ist wichtig, wird aber immer im Zusammenspiel mit dem Material und in sehr reduzierter Weise eingesetzt.

Strait, 2014

Bienenwachs, Papierbögen und Seide sind einige der Materialien, die in der Ausstellung Small Is Beautiful im Hamburger Drawing Room zum Einsatz kommen. In ihrer Materialität weisen die gezeigten Werke, von den Materialcollagen Melissa Kretschmers zu den Gemälden Matti Brauns, eine Betonung der Ressourcen des Alltags auf, in ihrer zurücknehmenden Skala eine Rückbesinnung auf das menschliche Maß. So widersetzen sie sich der Schnelligkeit und Medialisierung unserer Zeit und lassen die Umgebungen des Menschen zu einem zentralen Bestandteil ihres Entstehungsprozesses werden.